Плакаты Прекрасной эпохи, секс и боди-арт: главные арт-выставки 2025 года

Если 2025 год что-то доказал, так это то, что центр тяжести арт-мира смещается. Да, Париж выдал хиты: Дэвид Хокни чуть не довёл некоторых критиков до слёз в Фонде Louis Vuitton, а Музей д’Орсе напомнил, почему афиши эпохи бель эпок до сих пор важны.

Но самые захватывающие моменты года случались и вдали от привычных арт-столиц: Центральная Азия заявила о себе новыми институциями и событиями, а Кипр запустил свою первую международную арт-ярмарку. От бесстрашной театральности Ли Боуэри в Tate Modern до обнажённых признаний Трейси Эмин во Флоренции — это были выставки, требовавшие внимания не только тем, что показывали, но и тем, как переформулировали разговор об искусстве и его месте в мире.

Искусство на улице в музее д’Орсе

Погружение музея д’Орсе в культуру афиши эпохи бель эпок звучало на удивление актуально для выставки о рекламе XIX века. Почти 230 работ — Тулуз-Лотрек, Муха, Шере и набисты — показали, как иллюстрированные плакаты превратили Париж в визуальную площадку. Резонировала мысль о улице как одновременно галерее и поле борьбы: тумбы Морриса и «сэндвич-мены» были не милыми историческими деталями, а социальными сетями своего времени. Выставка убедительно представила плакат как радикальную демократизацию — «искусство для всех» задолго до того, как кто-либо начал ставить хэштеги о доступности. Организованная совместно с Национальной библиотекой Франции, это была первая экспозиция такого масштаба, посвящённая «Мастерам афиши», и она убедила: коммерческое искусство заслуживает серьёзного отношения.

Бухарская биеннале

Современная сцена Центральной Азии заявила о себе всерьёз: дебютная Бухарская биеннале превратила медресе и караван-сараи узбекского города в выставочные пространства. Куратор Диана Кэмпбелл назвала проект «Рецепты для разбитых сердец»: десятинедельное событие сводило более 70 международных художников с местными узбекскими ремесленниками, подчёркивая равный статус обоих. Концепция, основанная на мифе о том, как Ибн Сина придумал плов, чтобы излечить тоскующего принца, тонко разбирала вопрос авторства в совместных практиках. Вместо того чтобы использовать объекты Всемирного наследия ЮНЕСКО как фон, биеннале вовлекала жителей и гостей в разговор о наследии и современной идентичности. Соседство работ Энтони Гормли и коллектива Slavs and Tatars с местными мастерами, а также подлинный диалог вместо жестов «для галочки» предложили свежую модель международной биеннале в эпоху усталости от событий.

Ли Боуэри! в Tate Modern

Долгожданное признание художника, которого невозможно загнать в рамки. Выставка в Tate Modern развернулась на стыке перформанса, клубной культуры, моды и боди-арта — Боуэри не видел между ними границ. Те знаковые «образы» (слово «костюмы» слишком узко) показали рядом с коллаборациями с Люсьеном Фрейдом и Майклом Кларком, раскрывая, как Боуэри переосмыслил одежду как скульптуру, а собственное тело — как меняющийся инструмент. Получился и портрет лондонской ночной жизни 1980–1990-х, и серьёзный разговор о том, как его бесстрашное отношение к гендеру, сексуальности и эстетике продолжает отдаваться эхом. Выставка не приглаживала его провокации и излишества, а отмечала, как он бросал вызов нормам приличия и создавал по-настоящему новаторскую визуальную культуру.

Ярмарка VIMA

Кипр получил свой звёздный час на мировой арт-сцене с VIMA — первой на острове международной ярмаркой актуального искусства. Её провели в переоборудованной винодельне в Лимасоле с видом на море, и на фоне утомительного маршрута от Базеля до Майами и Парижа она ощущалась на редкость камерной. Двадцать семь галерей из Кипра, Греции, Ливана, ОАЭ, Нигерии, Великобритании и других стран убедительно представили Кипр как важный перекрёсток Европы, Ближнего Востока и Африки. Состав впечатлял — афинская The Breeder, Tiwani Contemporary, The Third Line из Дубая, — но главное в том, что VIMA действительно наладила диалог между региональными экосистемами. Крупный кураторский проект Людовика Делаланда «The Posterity of the Sun» задавал концептуальный каркас, а доклады и перформансы поддерживали высокий градус. Для дебюта — заявка куда более громкая, чем можно было ожидать.

Дэвид Хокни, 25 в Фонде Louis Vuitton

Заявленная как фокус на последних 25 годах, эта масштабная выставка шаловливо заглядывала и в 1955‑й, начинаясь с портрета отца-бухгалтера, написанного 18‑летним Хокни. Более 400 работ заполнили здание Фонда Louis Vuitton, спроектированное Фрэнком Гери (сам архитектор тоже получил свой портрет), от живописи до цифровых работ на iPhone и iPad и иммерсивных видеоинсталляций. То, что могло показаться самодовольством, обернулось демонстрацией художника, который по‑прежнему экспериментирует и сохраняет любопытство. Международные заимствования поражали — от Осло до Мельбурна, — а личное участие Хокни в каждой детали было ощутимо. Это была крупнейшая выставка художника за всю его карьеру и нечто по‑настоящему особенное: один критик признался, что был доведён до слёз.

Открытие Музея искусств Алматы

Вместе с Бухарской биеннале сентябрь принёс Центральной Азии ещё один значимый момент: двери распахнул Музей искусств Алматы. На средства предпринимателя Нурлана Смагулова и по проекту Chapman Taylor, с архитектурными мотивами, отсылающими к горам Тянь-Шаня, ALMA стал первым в регионе частным музеем современного и актуального искусства. Премьерная экспозиция объединила коллекцию из 700 произведений казахстанского и центральноазиатского искусства с персональной ретроспективой Алмагуль Менлибаевой, чьё исследование мифа, памяти и географии задало тон. Уличные заказы для Йинки Шонибаре и Хауме Пленсы, а также залы Artist Rooms с работами Ричарда Серры и Яёи Кусамы показали амбиции шире регионального фокуса. Художественный руководитель Меруерт Калиева позиционировала музей как пространство для встречи поколений — от художников, рисковавших преследованиями в советское время, до сегодняшних практиков.

Встречи: Джакометти, Барбикан

Годовая программа Барбакана, где Альберто Джакометти сопоставляли с современными скульпторами, оказалась действительно продуктивной, а не трюком ради внимания. Совместно с Фондом Джакометти цикл стартовал с Хумы Бхабхи, затем — Моны Хатум (Линда Бенглис заявлена на 2026 год), и выстроил межпоколенческие диалоги о смерти, фрагментации, памяти и травме. Вытянутые послевоенные фигуры Джакометти — его ответ на разрушения Второй мировой войны и размышления о человеческой фигуре — находили мощный отклик у современных художников, переживающих свои кризисы. Новый камерный зал позволял внимательно всматриваться, а не тонуть в блокбастерной масштабности.

Трейси Эмин: Sex and Solitude в палаццо Строцци

Первая крупная институциональная выставка Трейси Эмин в Италии привнесла её исповедальную откровенность во флорентийское палаццо Строцци. Куратор Артуро Галансино показал более 60 работ — живопись, рисунки, вышивку, неон и скульптуру. Контекст имел значение: сырой, телесный взгляд Эмин на желания и тело создавал провоцирующее трение с ренессансным наследием Флоренции, одновременно вписывая её в богатую художественную историю города. Темы любви, утраты, болезни и выздоровления звучали остро, будучи одновременно откровенными и по‑особому уязвимыми. Хотя охват работ был широким, в интервью накануне открытия Эмин подчеркнула, что это «не обзор». «Я не люблю делать обзоры и ретроспективы. Я хочу жить сейчас», — сказала она.

Кифер / Ван Гог в Королевской академии

Камерная выставка в трёх залах показывала, как Винсент ван Гог сопровождает Ансельма Кифера уже почти 60 лет. Началось всё с гранта на путешествие, который 18‑летний Кифер получил, чтобы пройти по маршруту Ван Гога — от Нидерландов и Бельгии до Арля. Созданная совместно с амстердамским Музеем Ван Гога, выставка сопоставляла работы обоих, выявляя общие темы — миф, философию и тяжесть истории — и одновременно сохраняла их различия. Монументальные полотна и скульптуры Кифера, во многом сформированные прорывным постимпрессионизмом Ван Гога, открывались по‑новому, а поздние работы Ван Гога 1890 года будто оживали. Новые работы Кифера, показанные впервые, доказывали, что он по‑прежнему извлекает из той первой встречи новые смыслы. Сфокусированная подача позволяла проследить влияние, не преувеличивая степень родства.

От сердца к руке: Dolce & Gabbana в Гран-Пале

Мода получила свой музейный час: Доменико Дольче и Стефано Габбана заняли парижский Гран-Пале, чтобы отметить 40 лет своего максималистского видения. После миланского дебюта «Du Coeur à La Main» развернулась в Париже на 1 200 квадратных метрах и трёх этажах: 200 образов Alta Moda и Alta Sartoria, 300 предметов ручной работы и 130 арт-объектов, собранных в 12 впечатляющих сцен. Куратор Флоранс Мюллер точно вписала ремесло D&G в широкий контекст итальянского художественного наследия. Возможность рассмотреть их работу вблизи (те самые места в первом ряду, которые большинству недоступны) обнажила чистое мастерство под театральным изобилием.

Этот текст был переведен с помощью искусственного интеллекта. Сообщить о проблеме : [feedback-articles-ru@euronews.com].