Berlinale 2025: "Honey Bunch", desconstruir o amor e a devoção na escuridão

Madeleine Sims-Fewer e Dusty Mancinelli, realizadores de Violation e agora parceiros na vida real, trazem o seu segundo filme, Honey Bunch, à Berlinale deste ano.

Depois da sua estreia sangrenta e implacavelmente assustadora, os realizadores canadianas diminuem deliberadamente o sangue e pensam no amor. Não que Honey Bunch seja uma comédia romântica, de forma alguma. A escuridão prevalece.

Passado nos anos 70, o filme tem Grace Glowicki no papel de Diana, uma jovem mulher que tenta juntar as suas memórias fragmentadas depois de ter estado em coma. O seu atento marido, Homer, interpretado por Ben Petrie, leva-a a uma clínica remota especializada em tratamentos de ponta para restaurar a memória. No entanto, à medida que a terapia médica avança, Diana tem visões assombrosas e começa a desconfiar das verdadeiras intenções de Homer. Ela tem de enfrentar a possibilidade de que a sua recuperação possa ameaçar desvendar uma verdade sinistra sobre o seu casamento.

Honey Bunch é também protagonizado por Jason Isaacs e Kate Dickie, e o filme é uma recontagem retro-futurista de Orfeu e Eurídice, que desconstrói de forma assustadora e terna as ideias comuns sobre o amor. Acima de tudo, coloca a questão: Até onde irias para estar com "The One"? Se é que tal coisa existe.

Sentámo-nos com Madeleine Sims-Fewer e Dusty Mancinelli para falar sobre os limites da devoção, o que significa verdadeiramente o compromisso e como filmes dos anos 70 como Don't Look Now moldaram a sua visão para o seu fantástico segundo filme juntos. Ah, e as alegrias da taxidermia.

Euronews Culture: O vosso filme anterior, Violation, era um filme poderoso e incrivelmente negro sobre trauma e abuso sexual. O que me impressionou em Honey Bunch é que, embora trate de uma certa forma de abuso, é uma história de amor - quase o reverso de Violation.

Dusty Mancinelli (DM): Tem razão, e sem estragar nada, Honey Bunch nasceu do facto de Violation ser tão sombrio.

Madeleine Sims-Fewer (MS-F): Ambos os filmes são extremamente pessoais para nós. Violation lidava com alguns dos nossos próprios traumas e queríamos fazer algo que fosse novamente pessoal com Honey Bunch. Mas também algo que as pessoas quisessem voltar a ver! Porque Violation não é um filme que se volte a ver - e com razão. É um filme difícil e compreendemos quando as pessoas saem dele e dizem "Adorámos, mas nunca mais o veríamos". Deixa-nos um pouco esgotados, e queríamos fazer algo para o nosso próximo filme que mostrasse de novo quem somos, mas que também temos sentido de humor! (Risos) Não queríamos ser apenas os realizadores de traumas, mas queríamos explorar uma parte diferente de nós próprios.

DM: Acabámos por nos tornar um casal e quisemos explorar as nossas relações passadas e as separações - porque é que não funcionaram e a ideia de amor e devoção.

MS-F: E o que significa realmente devoção e compromisso com alguém. É fácil comprometermo-nos no início, mas depois começamos a perceber o que isso significa realmente - passar por todos os altos e baixos com alguém. Por vezes, pode ser bastante assustador.

DM: Tal como esta ideia do único e verdadeiro amor da tua vida - isso não é uma coisa real para nós, e o que aprendemos à medida que envelhecemos é que o amor tem altos e baixos, e trata-se de renovar o teu compromisso com a pessoa que amas nesses pontos baixos das relações. E aceitar o nosso parceiro pelo que ele foi, pelo que ele é e pelo que ele vai ser.

O filme aborda este tema do compromisso, mas através da dor - coloca essa questão universal: O que é que eu faria se te perdesse?

DM: Há aí um egoísmo. Não ser capaz de deixar a pessoa que se ama é muito egoísta e muito desafiante. É algo com que penso que muitas pessoas se podem identificar e é por isso que a viagem do Homer se torna muito interessante. Eventualmente, ele aprende a deixar ir, mas isso leva-o a uma viagem muito tortuosa.

MS-F: Além disso, quando estamos com alguém durante muito tempo, mudamos ao longo da nossa vida. Tornamo-nos várias pessoas diferentes. E se a pessoa que está ao nosso lado não nos acompanha nessa viagem e espera que sejamos a pessoa que éramos no início - há aí uma metáfora com a personagem de Diana... Mas não vamos estragar muito as coisas para os vossos leitores!

Adorei os diálogos deste filme, nomeadamente as conversas no carro entre o casal central. Como casal de realizadores e como casal na vida real, que parte dessas conversas são conversas que tiveram juntos?

DM: É a única forma de sabermos escrever seja o que for - baseamo-nos nas nossas próprias experiências pessoais. Curiosamente, eu sou mais Diana do que Homer!

MS-F: Eu sou definitivamente mais Homer! Por vezes, quando estamos a escrever diálogos, ligo um pequeno gravador e improviso uma cena. Eu seria o Homer e o Dusty seria a Diana.

DM: Em última análise, são conversas que tivemos sobre a nossa própria relação, sobre as nossas próprias ideias no amor.

MS-F: E depois o Ben e a Grace, que fazem de Homer e Diana, também são um casal. São casados na vida real, e isso foi muito importante para nós, porque temos de acreditar na relação deles, de acreditar nessa ligação.

DM: Há um momento no filme, uma cena de jantar no início... E ele está a olhar para ela com tanto amor. E é apenas amor verdadeiro que se vê no ecrã. É difícil representar isso.

MS-F: Também tivemos muitas conversas com eles, sobre relações e sobre este tipo de temas. Ainda houve momentos de improvisação e espontaneidade no momento, mas tivemos a oportunidade de fazer uma espécie de workshop.

Também está a trabalhar com duas lendas britânicas da representação - Jason Isaacs e Kate Dickey - como surgiu essa colaboração?

MS-F: Vi Red Road quando estava na escola de teatro e foi a minha atuação preferida de sempre. Por isso, a Kate foi sempre alguém com quem esperávamos trabalhar. Conseguimos arranjar-lhe o guião e acho que ela gostou muito do facto de a personagem ser alguém que nunca tinha interpretado antes. Ela interpreta muitas personagens vilãs...

A relação da sua personagem com o marido é muito comovente - das três relações principais do filme, essa foi talvez a que mais me tocou.

MS-F: Oh, isso é ótimo. As três relações são todas muito distintas. Ainda bem que nos mantivemos fiéis a isso, porque houve alturas em que houve alguma pressão para retirar parte da relação que nos comoveu.

DM: O que me agrada é o facto de cada relação permitir que públicos diferentes se liguem à relação que, por qualquer razão, mais lhes diz respeito. E tu pareces ter-te ligado mais a essa - o que pode dizer algo sobre ti...

Ainda não explorei isso, mas hei-de fazê-lo. Queria perguntar-lhe sobre os efeitos visuais deste filme, que são muito retro. E é natural que assim seja, uma vez que o filme se passa nos anos 70. Mas há um tom esverdeado que banha o filme e contribui para a atmosfera de Daphne du Maurier. Podem falar-me mais sobre esta estética vintage?

DM: Somos grandes fãs de filmes dos anos 70, e ambientar o filme nessa época foi muito excitante para nós. Queríamos que o filme parecesse ter sido feito nessa altura, por isso fizemos muitos testes e encontrámos lentes reais desse período. Por isso, filmámos com as lentes usadas em Taxi Driver, Barry Lyndon - usando essas ferramentas reais da época.

MS-F: Isso foi muito interessante para nós. Restringir a forma como filmámos.

DM: E usar restrições em termos de tecnologia, bem como de movimentos de câmara. De facto, há um drone filmado em movimento e é demasiado suave. Por isso, acrescentámos-lhe um pouco de vibração, porque nos anos 70 só se podia filmar essas cenas a partir de um helicóptero. Precisamos de acrescentar este tipo de aspereza.

MS-F: Há também algo nos filmes dos anos 70 - Don't Look Now, Wicker Man... Na altura chamava-se horror, mas agora não se chamaria horror. Seriam thrillers psicológicos. Queríamos fazer um filme assim, sem género, ou uma mistura de géneros que não tivesse de se situar firmemente na categoria de terror. Por exemplo, Don't Look Now tem esse poço de dor profunda e é realmente sobre explorar essa relação. Tem algumas cenas muito doces e comoventes, bem como cenas que nos perturbam e assustam.

Estou a tentar contornar as reviravoltas e as revelações, mas o filme também tem um aspeto de ficção científica - uma tecnologia que não se enquadra no cenário dos anos 70 - e fez-me lembrar The Twilight Zone de Rod Serling... Especificamente um visual que me fez lembrar o episódio The Masks...

DM: Bela referência. Percebo porquê, mas Eyes Without A Face e The Elephant Man eram ambas referências para nós.

MS-F: E o visual a que te referes - queríamos que houvesse uma doçura naquela personagem...

Essa personagem é simultaneamente desoladora e fundamental, na medida em que reformula as percepções. Brinca-se muito com as simpatias neste filme, porque a história do cinema sempre nos ensinou a suspeitar do marido, mas o que inicialmente parece manipulador ou duvidoso é, na verdade, o ato desesperado de um homem apaixonado...

DM: Sabíamos que queríamos fazer um filme de género mas, ao mesmo tempo, virar alguns tropos do avesso. Queríamos pegar nas coisas que se esperam e usá-las contra nós, de certa forma. Para enganar o público e isso ajuda-nos a recontextualizar as personagens, algo que nos interessa muito fazer em todo o nosso trabalho. E podemos ver o filme uma segunda vez e lê-lo de forma completamente diferente e vê-lo de forma diferente, porque não trazemos a nossa própria bagagem para interpretar porque é que o Homer está a chorar do outro lado da cama, por exemplo. Vai acontecer alguma coisa horrível? O que é que ele fez? Apercebemo-nos: Oh, ele está mesmo a sofrer.

MS-F: Boa resposta! (risos)

Por fim, tendo em conta que o filme se debruça sobre o que um casal estaria disposto a fazer para mostrar ou ultrapassar os limites do seu amor, quais seriam os vossos limites? A eterna dor de cabeça de gelado - ou iriam aos mesmos extremos que o Homer - que não se estrague?

DM: Oh meu Deus, deixa-me dizer-te - a Madeleine dizia: "Quando morreres, posso taxidermizar-te?" (Risos)

Genial! Numa pose?

MS-F: Definitivamente numa pose! (Risos)

DM: Eu disse não, isso é demasiado assustador. E ela disse: "Bem, posso transformar-te num casaco?" Queres vestir-me? Isso é nojento! Por isso, acabámos por escolher: Ela pode comer um bocadinho de mim. Estou morto, por isso não me importo. Mas ela tem de o fazer rapidamente, antes que a polícia descubra!

E tu, Madeleine?

MS-F: Não há limites. Dusty, podes taxidermizar-me se quiseres!

Honey Bunch estreia no 75º Festival de Cinema de Berlim, na secção Berlinale Special.