Cartazes da Belle Époque, sexo e arte corporal: exposições de arte a não perder em 2025

Se 2025 provou algo, foi que o centro de gravidade do mundo da arte está a deslocar-se. Sim, Paris trouxe grandes exposições: David Hockney quase levou alguns críticos às lágrimas na Fondation Louis Vuitton, enquanto o Musée d'Orsay lembrou porque é que os cartazes da Belle Époque continuam a contar.

Mas alguns dos momentos mais entusiasmantes do ano aconteceram longe das capitais artísticas tradicionais: a Ásia Central afirmou-se com instituições e eventos transformadores, e Chipre estreou a sua primeira feira internacional de arte. Da teatralidade destemida de Leigh Bowery na Tate Modern às confissões cruas de Tracey Emin em Florença, foram exposições que exigiram atenção, não apenas pelo que mostraram, mas por como recentraram o debate sobre o lugar da arte no mundo.

Arte na rua no Musée d'Orsay

A imersão do Musée d'Orsay na cultura do cartaz da Belle Époque soou surpreendentemente urgente para uma exposição sobre publicidade do século XIX. Reuniu perto de 230 obras, de Toulouse-Lautrec, Mucha, Chéret e os Nabis, e mostrou como o cartaz ilustrado transformou Paris num recreio visual. O que lhe deu ressonância foi a atenção à rua como galeria e campo de batalha: as colunas Morris e os homens-sanduíche não eram apenas notas de rodapé pitorescas, eram as redes sociais do seu tempo. A mostra apresentou o cartaz como uma democratização radical, "arte para todos" muito antes de alguém pôr "acessibilidade" em hashtags. Organizada com a Bibliothèque nationale de France, foi a primeira exposição desta escala dedicada aos "Mestres do Cartaz" e sustentou, de forma convincente, que a arte comercial merece ser levada a sério.

Bienal de Bucara

A cena de arte contemporânea da Ásia Central afirmou-se com seriedade quando a inaugural Bienal de Bucara transformou as madraças e caravançarais da cidade uzbeque em espaços expositivos. Comissariada por Diana Campbell e intitulada "Recipes for Broken Hearts", a iniciativa de dez semanas juntou mais de 70 artistas internacionais a artesãos uzbeques, exigindo igualdade de destaque para ambos. O conceito, enraizado no mito de Ibn Sina inventar plov para curar um príncipe apaixonado, questionou de forma inteligente quem recebe o crédito nas práticas colaborativas. Em vez de tratar a arquitetura de Bucara, classificada pela UNESCO, como simples cenário, a bienal envolveu residentes e visitantes em conversas sobre património e identidade contemporânea. Com Antony Gormley e Slavs and Tatars ao lado de criadores locais, e diálogo genuíno a substituir o tokenismo, ofereceu um modelo renovado para bienais internacionais numa era de fadiga de eventos.

Leigh Bowery! na Tate Modern

A celebração de Leigh Bowery na Tate Modern foi um reconhecimento tardio de um artista que recusou rótulos. A exposição estendeu-se pela performance, cultura de clubes, moda e body art, porque Bowery nunca viu fronteiras entre essas áreas. Os seus "Looks" icónicos (chamá-los trajes seria redutor) surgiram ao lado de colaborações com nomes que vão de Lucian Freud a Michael Clark, mostrando como Bowery reinventou a roupa como escultura e o corpo como instrumento mutante. Dali saiu tanto um retrato da noite londrina dos anos 80 e 90 como uma reflexão séria sobre a forma como a abordagem destemida de Bowery ao género, à sexualidade e à estética continua a repercutir-se. A mostra não suavizou as provocações nem os excessos; celebrou antes a forma como desafiou normas de decoro enquanto criava uma cultura visual verdadeiramente inovadora.

Feira de Arte VIMA

Chipre teve o seu momento na cena artística global com a VIMA, a primeira feira internacional de arte contemporânea da ilha. Realizada numa antiga adega de Limasol com vista para o mar, soube a intimidade refrescante quando comparada ao extenuante circuito Basileia-Miami-Paris. Vinte e sete galerias de todo o Chipre, Grécia, Líbano, Emirados Árabes Unidos, Nigéria, Reino Unido e outros países defenderam Chipre como encruzilhada vital entre a Europa, o Médio Oriente e África. A seleção impressionou, de The Breeder (Atenas) à Tiwani Contemporary e à The Third Line (Dubai), mas o que contou foi o diálogo genuíno que a VIMA promoveu entre ecossistemas regionais. O projeto de fôlego de Ludovic Delalande, "The Posterity of the Sun", deu o lastro conceptual, enquanto conversas e performances mantiveram a energia em alta. Para uma estreia, esteve muito acima das expectativas.

David Hockney, 25 na Fondation Louis Vuitton

Apresentada como centrada nos últimos 25 anos, esta vasta exposição recuou, com alguma malícia, até 1955, começando com o retrato, feito por um Hockney de 18 anos, do pai contabilista. Mais de 400 obras encheram o edifício da Fondation Louis Vuitton, de Frank Gehry (o arquiteto teve direito a retrato na mostra), a abranger pintura, trabalhos digitais em iPhone e iPad e instalações de vídeo imersivas. O que podia soar a indulgência mostrou, afinal, um artista ainda em experimentação, ainda curioso. Os empréstimos internacionais foram notáveis, com instituições de Oslo a Melbourne, e notou-se o envolvimento pessoal de Hockney em cada detalhe. Foi a maior exposição de sempre do artista e algo de especial; um crítico chegou a dizer que se comoveu até às lágrimas.

Abertura do Museu de Artes de Almaty

A par da Bienal de Bucara, setembro trouxe outro momento relevante para a arte contemporânea da Ásia Central com a abertura do Museu de Artes de Almaty. Financiado pelo empresário Nurlan Smagulov e projetado pela Chapman Taylor, com elementos arquitetónicos que ecoam as montanhas Tian Shan, o ALMA tornou-se o primeiro museu privado de arte moderna e contemporânea da região. A mostra inaugural juntou uma coleção de 700 obras do Cazaquistão e da Ásia Central a uma retrospetiva individual de Almagul Menlibayeva, cuja exploração do mito, da memória e da geografia definiu o tom. Encomendas ao ar livre de Yinka Shonibare e Jaume Plensa, e ainda Artist Rooms com Richard Serra e Yayoi Kusama, revelaram ambição para lá do foco regional. A diretora artística Meruyert Kaliyeva apresentou-o como um lugar de encontro entre gerações de artistas, dos que arriscaram perseguição sob o regime soviético aos criadores de hoje.

Encontros: Giacometti na Barbican

A série anual da Barbican que coloca Alberto Giacometti em diálogo com escultores contemporâneos soou genuinamente fecunda, não um truque. Organizada com a Fondation Giacometti, começou com Huma Bhabha, seguida por Mona Hatoum (com Lynda Benglis prevista para 2026), criando diálogos intergeracionais em torno da morte, da fragmentação, da memória e do trauma. As figuras alongadas do pós-guerra de Giacometti, a sua resposta à devastação da Segunda Guerra Mundial e a sua meditação sobre a forma humana, encontraram verdadeira ressonância em artistas contemporâneos às voltas com as suas próprias crises. O novo espaço, íntimo, convidou a olhar de perto em vez do atordoamento de uma grande produção.

Tracey Emin: Sex and Solitude no Palazzo Strozzi

A primeira grande exposição institucional de Tracey Emin em Itália levou a sua intensidade confessional ao Palazzo Strozzi, em Florença. Comissariada por Arturo Galansino, "Sex and Solitude" reuniu mais de 60 obras entre pintura, desenho, bordado, neon e escultura. O enquadramento contou: as explorações cruas do corpo e do desejo por Emin criaram uma fricção provocadora com a herança renascentista de Florença, ao mesmo tempo que a inscreveram na rica história artística da cidade. Obras sobre amor, perda, doença e recuperação soaram urgentes, simultaneamente explícitas e de uma vulnerabilidade excecional. Embora o arco temporal das obras fosse amplo, Emin sublinhou numa entrevista antes da abertura que não se tratava de uma "panorâmica". "Não gosto de fazer panorâmicas ou retrospetivas. Gosto de estar a viver no presente", disse.

Kiefer / Van Gogh na Royal Academy

A exposição, íntima, em três salas, da Royal Academy mostrou como Vincent van Gogh persegue Anselm Kiefer há quase 60 anos. Tudo começou com um Kiefer de 18 anos a receber uma bolsa de viagem para seguir o percurso de Van Gogh, dos Países Baixos, passando pela Bélgica, até Arles. Desenvolvida com o Museu Van Gogh de Amesterdão, a mostra colocou obras de ambos lado a lado para revelar preocupações comuns com a mitologia, a filosofia e o peso da história, respeitando as abordagens distintas de cada um. As pinturas e esculturas monumentais de Kiefer, informadas pelo pioneirismo pós-impressionista de Van Gogh, ganharam novo contexto, enquanto as derradeiras obras de 1890 de Van Gogh surgiram renovadas. Novas peças de Kiefer, expostas pela primeira vez, provaram que continua a explorar esse encontro inicial. A apresentação focada permitiu seguir influências sem exagerar a ligação.

Do Coração à Mão: Dolce & Gabbana no Grand Palais

A moda teve o seu momento de museu quando Domenico Dolce e Stefano Gabbana tomaram o Grand Palais, em Paris, para celebrar 40 anos de visão maximalista. Depois da estreia em Milão, "Du Coeur à La Main" estendeu-se por 1 200 metros quadrados e três pisos em Paris, com 200 peças de Alta Moda e Alta Sartoria, 300 acessórios feitos à mão e 130 obras dispostas em 12 cenários de cortar a respiração. Comissariada por Florence Müller, posicionou com acerto o ofício da D&G no património artístico mais amplo de Itália. A proximidade (como aqueles lugares da primeira fila a que quase ninguém tem acesso) revelou artesanato puro por baixo do excesso teatral.

Este texto foi traduzido com a ajuda de inteligência artificial. Comunicar um problema : [feedback-articles-pt@euronews.com].